也聊中国画艺术

  上次说到艺术主流的问题，随之而来的又有人问：且不谈艺术主流，可否先说什么是中国画艺术？哇，这一问题，又差点把笔者噎住了。

  就中国画来说，我想无论是山水画、花鸟画还是人物画，是不是艺术首先还是要看作品是否有灵魂、有法度，而且必须是唯一性。写一篇文章，首先得有一个中心思想、有主题，有跌宕的故事情节。接着才通过悠美的造句、修辞，以至每一个标点符号的运用，这才能构成一篇具有艺术要素的文章。

  同样的用于衡量中国画，你的作品也得确定一个主题，有巧妙的构思，再通过笔墨、技法的运用，把所思所想，以符合中国画的审美原理表达出来，达到真善美的要求，或者才能够得上一幅画的条件。至于最后能否成为艺术品，则还要具备多方面的要素。

  当下，看到许多画展，很多画家都有一套自己的笔墨方式和创作习惯。可往往是大家、名家们不厌其烦地重复自己，而一般的画家则对重复他人乐此不疲。不要说鲜见洋洋洒洒、挥洒自如的逸笔之作，甚至有相当部分作品连中国画的法度、画理都不通，唯有胜人的地方便是大尺幅，实则东拼西凑、空洞无物，更别说主题了。哀呼悲哉！这些个当然不能列入艺术了。

  古代山水画一直是人们慰藉心灵、诗意地安顿生活的一种重要手段。多少画家隐居山林深处，过着一种生命自由与诗般的生活，寄情山水间、寄情笔墨间、寄情作品间，最后却能留下一批留芳千古的艺术作品。

  但随着时代的发展，唯美、诗意的创作和欣赏观念已经发生转变。一方面是因为近百年来西方美术进入中国，传统中国画绘画受到冲击；另一方面则由于社会变迁和意识形态的变革，中国画赖以生存的空间越发变小。生活在变，人的心灵也在变，这难以尽述的“变”与“痛”，都在演绎着中国画跨越历史藩篱，从传统迈向现代的沉重而又壮阔的步履。

  这的确是一个无以伦比的时代，本来应该是一个产生非凡故事、产生非凡画家的时代，也应该是一个产生非凡作品的时代。在这个大好的条件下，或许刚从院校毕业的人还在为车子、房子打拚，好多画家都拥有了相当优越的条件：气派的画室，豪华的汽车，甚至办了非凡的展览。然而在展览中却难觅具有内涵的作品。能像前些日子在北京、杭州、广州等地展出的黄宾虹、关良、赖少其作品展览那样吸引住行内行外人士眼球的作品确实不多。有的展览甚至于连艺术的感觉都没有。确实糟蹋了展览资源、糟蹋了艺术的殿堂。

  究其实质，这些缺少艺术特质的展览主要还是缺少灵肉、缺少根本。中国画有一千多年的历史，自诞生那一天起，就显现出强大的生命力，经历的各个朝代，绘画人才辈出、香火相传。然而，时至今日，中国画的创作却不尽如人意，甚至于出现后继乏力、青黄不接之态。这里头既有受市场消费心理影响的因素，但更重要的是受到大环境的影响，创作受到评选机制的制约，不能充分发挥画家创作的自由度。诸如重形式轻内涵、重制作轻抒写，致使中国画的艺术性走向下坡路。著名艺术评论家陈传席先生甚至作出当代中国画难出大师的结论。

  当下画家数量越来越多，但以临摹、拼接、重复自己或他人的作品屡见不鲜，疏于个人读书和增强自己的修养。在这快节奏的生活中，物欲横流，人心浮躁的情况下，又如何能耐得住寂寞，放慢自己的脚步，让灵魂跟上呢？

  试想，如果一个画家不懂诗文，平时也不练字，甚至把书画完全分离，仅为制作画面效果，拿着排刷象油漆工一样涂抹，这样出来的东西怎么可能成为艺术品？

  上千年的中国画发展史告诉我们，中国画只有具备很深的诗文修养和书法功底的人才可能有好作品，才有可能成为真正的艺术品，自唐王摩诘“诗中有画，画中有诗”起，诗书画俱佳者比比皆是。明董其昌、唐伯虎、文征明，清朝如八大、徐渭，近代如吴昌硕、赵之谦以及当代的齐白石、黄宾虹皆如此。

  由此可见，中国画能成为真正艺术者必先做好学问，下足笔墨功夫，否则只能列入工匠之作。